"Hacen falta personas que quieran ir al teatro": Entrevista a Fredy Vivanco, director de AquelArte Producciones.

 

Fotografías proporcionadas por: Aquelarte Producciones. 

Entrevista por: Carolina Solís. 

Revista Nómada tuvo la oportunidad de hablar y conversar un rato con Fredy Vivanco, director de AquelArte Producciones. Abriendo sus puertas en 2020, la casa productora teatral se ha caracterizado por llevar al público diferentes puestas en escenas que han sido del gusto de la comunidad xalapeña.  Así como también llevar a cabo diversos talleres culturales, para jóvenes y adultos. 

Fredy, ha sido una parte fundamental en el desarrollo actoral de muchos jóvenes actores en Xalapa, quienes han confiado en su talento como maestro para poder mejorar sus habilidades y dar la mejor actuación arriba del teatro. 

Para comenzar la entrevista y conocerte un poco, cuéntanos ¿qué te inspiró a dedicarte al teatro y cómo comenzó la carrera?

Bueno pues, fue en la prepa justamente. Yo llevaba talleres de teatro, la “paraescolar”. Entonces, ahí me empezaron a meter a varios concursos y me gustó demasiado y pues ahí me quedé. Y ahí es donde comienzo mi carrera teatral como tal.

A lo largo de tu carrera has tenido altas y bajas, y has trabajo y convivido con personas que tienen diferentes personalidades. Así como también tienes muchas experiencias dentro y fuera del escenario. Pero ¿Cuál ha sido el desafío más grande que has enfrentado como director o como maestro?

Creo que el desafío más grande que llegué a enfrentar fue justamente hace ya unos años, en 2017, cuando tenía todo un grupo. Eran como 15. Y al momento de hacer los montajes, bueno, todo mundo quería mandar, y pues terminaron las cosas un poquito mal. Cada uno quiso hacer su relajo. No hacían caso. El tener que gestionar, moverte, sacar adelante el proyecto, hacerlo tú solo y luego tus actores te estén recriminando 10.000 cosas, pues como que los egos matan, ¿no? Entonces matan cualquier proyecto. Creo que eso fue uno de los desafíos más grandes.

Y bueno, durante la pandemia también, el continuar haciendo teatro a pesar de la situación de contingencia, hacer talleres en línea, tratar de ensayar cosas a través de videollamadas y así. Entonces yo creo que eso también fue un gran desafío como director o maestro de teatro. 

 Y ahora que mencionas las últimas dos cosas, ¿cómo equilibras tus roles de maestro y director? Porque son conceptos muy distinto el uno del otro. Supongo que como director eres mucho más fuerte y perfeccionista que como maestro. 

Híjole, pues digamos que se parecen mucho, ¿no? Pero pues sí es identificar que cuando estamos dando clase, pues es meramente eso. Es una clase. Y como maestro, uno tiene que ser un poco más paciente, tiene que ser flexible, debe de entender a los alumnos, que todos aprenden diferente, etcétera, etcétera. Pero ya como director, tienes que ver por el bien de la obra, tienes que ver por el bien del proyecto y no fijarte tanto en si se sienten bien, si se sienten mal o eso. Es un compromiso, tomaste este compromiso y aceptaste, entonces ahora cumple, sea como sea, pero tienes que cumplir. Y si no, ve la manera de resolverlo, pero cumple. Entonces sí, esa es la diferencia. Pero al final del día siempre tienes que ser compasivo, tienes que ser líder y demostrar que estás para ayudar a las personas, para escucharlos, para entenderlos, para guiarlos, sobre todo.

Como todo trabajo detrás dé se lleva un proceso, que puede ser emocionante o estresante llevar a cabo, dependiendo del entorno o del mismo creador. ¿Cómo podrías describir tu proceso creativo desde la concepción de una idea hasta la producción final?

Como algo maratónico. La verdad es que todo este proceso de crear una producción, pues es bastante curioso, porque a veces la inspiración te llega de la nada y entonces ya de ahí tienes que empezar a moldear. Es como tener un play-doh o una plastilina toda dura; ahí está y tienes todo para hacerlo, pero tienes que irlo moldeando, amasando hasta que se vuelva flexible y le puedas dar la forma que tú quieras. Entonces, yo creo que como plastilina.

¿Y cómo trabajas con los actores para ayudarles a desarrollar sus personajes?

A base de comprensión, como te decía en la otra respuesta, a base de la comprensión, del entendimiento que el otro es otro, que cada uno de nosotros entiende, aprende y comprende las cosas de diferente forma y que no todos somos iguales. Entonces, ese tipo de cosas también hacen que uno pueda diversificar la forma en la que armas un personaje. Y eso es que los otros lo armen.

El dirigir una obra de teatro es algo que, personalmente, considero difícil por todo el proceso y que todo tiene que estar casi perfecto. ¿Qué elementos consideras más importantes en la dirección de una obra de teatro?

Bueno, esto ya es una parte técnica, elementos que considero importantes en la dirección. Digamos que el momento de ver en el escenario, pues el ojo clínico, las composiciones, el acomodo, la estética, la belleza que tenga el encuadre. Y ya de ahí, sí tengo que fijarme en que si el actor viene emocionalmente bien, si viene ofuscado, cómo viene cada uno de ellos. Es algo en lo que tengo que fijarme muchísimo.

 En Xalapa existen muchos jóvenes que sueñan con el llegar a tener una oportunidad en la actuación, ya sea en el cine, televisión o teatro. ¿Qué cualidades crees que son especiales para ser un buen actor o actriz?

Yo creo que es la disciplina y el compromiso. Es 99% disciplina y 1% talento. Entonces, creo que las cualidades más importantes para ser un buen actor o actriz es el compromiso y la disciplina. Ya de ahí es la dedicación que le das, el tiempo de práctica el esforzarte todos los días para alcanzar tus metas, fijarte metas sobre todo y la disposición sobre todo que se tenga para hacer las cosas, el subirte al escenario y tener esa disposición de “oye es que tienes que abrazar”, pues abrazo, “oye es que te tienes que tirar”, pues me tiro “oye vas a ser el árbol 2”, pues soy el árbol, “oye vas a ser el protagonista”, pues soy el protagónico, entonces decir sí a lo que se pide arriba del escenario.

Fotografía proporcionada por: AquelArte Producciones. 

Como maestro de actuación, ¿cuál es el enfoque pedagógico al enseñar actuación? 

Híjole, el enfoque pedagógico pues en este caso es entender que uno como instructor tiene que saber que hay una línea muy delgada entre lo que es actuación y ficción, y lo que es la realidad, entonces creo que ese es un enfoque primordial saber que es real y que no para poder desarrollar darle al otro esas bases para que el actor también pueda identificarlo y diferenciarlo, y que no se clave en lo demás, y pues la comprensión.

 ¿Qué ejercicios o técnicas consideras fundamentales para el desarrollo actoral? 

La observación. Observar y repetir, observar y practicar, eso son con eso desarrollas muy bien al actor.

Convives día a día con muchos estudiantes, como maestro muchas veces esperas que tus alumnos sean los primeros en proponer y llevar a cabo una idea, trabajar en ella y que ellos se sientan con esa energía y ganas de poder seguir creando y transformando.  ¿Cómo fomentas la creatividad y la colaboración entre los estudiantes? 

Armando improvisaciones, que jueguen, que se diviertan que entiendan que no hay una forma correcta de hacer las cosas, pero tampoco todo es incorrecto, entonces todo es válido, arriba del escenario en el teatro, así como en la vida. Todo es válido, siempre y cuando no perjudiques ni dañes al de enfrente, eso es muy muy importante.

 Tomando en cuenta lo último que dijiste, ¿qué importancia le das a la inclusión y la diversidad en tus producciones teatrales? 

Bastante, de hecho ahorita, bueno, en Solo por Amor tenemos bastante diversidad. Una de las obras es de temática LGBT y la otra que vamos a estrenar también. Es una obra completa de temática LGBT y de ahí hemos tenido personas que han sido muy importantes, con discapacidad medianamente visual, algunas condiciones médicas, como TDAH o TOC. Esta situación donde no en todos los lugares te abren las puertas con estos diagnósticos. Pero siempre nos mantenemos a la inclusión y a la diversidad.

Fotografía proporcionada por: AquelArte Producciones. 

 Toda tu carrera se ha desarrollado en Xalapa y has visto crecer el teatro. ¿Cómo ves la situación actual del Teatro en Xalapa? 

Ya está cambiando fíjate antes, hace unos pocos años, estaba muy monopolizada ante la Universidad Veracruzana y su gremio, pero ahorita creo que se ha estado aperturando y eso está muy padre. Los recintos ya le están dando cabida a grupos independientes a otro tipo de personas, entonces eso también está muy bien ¿no? Creo que está mejorando, aunque sí, todavía hace falta un poco de formación de públicos, es decir, personas que quieran ir al teatro. Hay mucha oferta pero poca demanda, eso es lo único que sí tenemos.

 ¿Qué cambios crees que necesita la industria del Teatro en Xalapa para seguir creciendo y evolucionando? 

Aperturarse al cambio de género, dejar de hacer teatro clásico y comenzar a hacer teatro un poco más digamos comercial, musicales, media romance; que es lo que Broadway hace, lo que la Ciudad de México hace y pues al final del día les funciona ¿no? y gracias a eso el teatro no muere allá en esas ciudades. Así que creo que eso también le hace falta a Xalapa.

Para finalizar,  ¿cómo crees que el teatro ha influido en la cultura local xalapeña? 

Uff, muchísimo, al final del día Xalapa es una ciudad cultural de hecho, después de la Ciudad de México, Xalapa es la ciudad más cultural de todo el país, es una capital cultural. Así que el teatro ha influido en gran medida en varios de los lugares emblemáticos de nuestra ciudad; como el JJ Herrera, el Centro Recreativo, o el Teatro del Estado, incluso el Auditorio de la Normal son lugares muy conocidos, que a la gente les da la preferencia en cuestiones teatrales. Así que creo que ha influido muchísimo en la cultura local de nuestra ciudad.